En la previa de su regreso a nuestro continente, conversamos con el legendario MIKAEL STANNE, vocalista de los suecos DARK TRANQUILLITY, quienes se presentarán en Buenos Aires, Argentina, el próximo 19 de enero. En la entrevista que podrán ver a continuación, Stanne reflexiona sobre la identidad artística de la banda tras más de tres décadas de trayectoria, el legado emocional del sonido de Gotemburgo y la evolución de sus letras desde una búsqueda de esperanza hacia una expresión más cruda de desesperación. Si te gusta más leer, al final podrás ver la transcripción completa.

El músico nos habla también sobre cómo la frustración juvenil, la escena underground sueca y la mezcla entre agresión y melodía definieron el ADN del grupo, así como la importancia de comunicar emociones reales a través de la música, analizando el rol del metal como refugio emocional, el impacto del consumo digital en el valor de la música, y cómo las nuevas generaciones enfrentan un panorama saturado de lanzamientos.

Stanne nos recuerda -con profunda emoción- al fallecido Tomas Lindberg (AT THE GATES), a quien considera una figura clave en su vida personal y en el desarrollo del death metal melódico, afirmando que sin él no existirían DARK TRANQUILLITY ni IN FLAMES. Además, nos habla sobre el enfoque más pesado y veloz de su álbum más reciente, “Endtime Signals”, influenciado por cambios en la alineación y el estilo de sus nuevos compositores. Además, también hubo tiempo para que nos hablara de su otro proyecto, CEMETERY SKYLINE, destacando el valor de seguir creando música con amigos y mantener viva la pasión por los escenarios.

Con respecto a los shows, Mikael nos adelanta que la actual gira —con la que la banda volverá a Sudamérica en este 2026— estará centrada en celebrar los aniversarios de “The Gallery” (30 años) y “Character” (20 años), junto a material clásico del grupo. Dale play al reproductor y disfruta la conversación completa, a continuación:

Frank Hernández

Director en Rocktambulos

Escucho más de lo que veo y escribo más de lo que leo.
Periodista musical. Radio Host. Escribí en Billboard, Rockaxis y más. Fundador de Rocktambulos

Quiero darte una cálida bienvenida a Rocktambulos, Mikael. Es un honor tenerte aquí, porque me gusta mucho la música que has hecho y, obviamente, todo el sonido de Gotemburgo fue una gran influencia para mí, así que es un verdadero honor.

Muchas gracias, es un placer estar aquí.

Quiero comenzar preguntando sobre la evolución del sonido. Después de treinta años desde tu primer álbum, ¿Cómo definirías, personalmente, la identidad de la banda? Esa identidad que nunca podrás abandonar.

Wow, creo que la idea cuando empezamos, es decir, lo que discutimos cuando comenzamos a aprender cómo tocar una guitarra, era que queríamos ser diferentes de muchos otros. Por supuesto, éramos jóvenes, ambiciosos y pretenciosos, y queríamos que nuestra música tuviera algo que decir o al menos algo cargado emocionalmente. Deberías sentir algo mientras escribes o cantas y tocas, y queríamos hacer eso. Sentimos que eso debería venir de las melodías y la música.

Queríamos estar enojados y frustrados porque eso es lo que éramos cuando éramos chicos, en los suburbios de Gotemburgo. Solo queríamos salir de ahí de alguna manera y hacer algo con nuestras vidas. Y la música se convirtió en esa salida. Por eso queríamos gritar sobre nuestra situación, pero también queríamos que los demás sintieran lo mismo que nosotros.

Pensamos que a través de la melodía, la agresión y la frustración, podíamos convertir nuestra música en algo. Tomamos nuestra influencia de las bandas más enojadas que amábamos, como el thrash de Alemania y el death metal de Florida, pero también lo mezclamos con un aspecto emocional de cosas como el pop y el rock más oscuro que nos gustaba y con el que crecimos.

Se trata de encontrar un equilibrio entre la pesadez y la energía cruda del death metal, pero también tener un lado emocional. Ese es el punto de partida, y siento que sigue siendo lo mismo. Quieres contar cosas diferentes, por supuesto, y 35 años después tienes diferentes prioridades, piensas diferente, tienes otras ideas sobre lo que puede ser la música, pero el núcleo sigue siendo el mismo. Tiene que ser algo que te haga reaccionar de alguna manera.

Siempre nos hemos tomado nuestra música en serio, tal vez no a nosotros mismos, pero sí a la música. Si podemos comunicar cómo nos sentimos de una manera que la gente entienda, y subir al escenario y gritar sobre estas cosas, y ver en los ojos de la gente que sienten algo similar, ese es el mejor sentimiento del mundo.

Comunicar algo ha sido importante, y creo que eso también ha influido en nuestro sonido. A lo largo de los años nos preguntamos cómo comunicar nuestros sentimientos de la mejor manera, y dependiendo de dónde estemos en la vida, cuántos años tengamos o qué esté pasando, creo que los diferentes álbumes han reflejado eso.

Eso es muy interesante porque no solo se nota en la música, sino también en las letras. Es decir, es una fusión interesante, y también es un mensaje para la gente. Y hablando de las letras, ¿qué tan importante crees que es mantener un sentimiento de esperanza o al menos la resiliencia en la música oscura?
Creo que es importante. No sé qué tipo de mensaje edificante sea, pero me gusta pensar que he intentado ser optimista, tratar de ver el lado positivo. Siempre pensé que todo iba a estar bien.

Cuando escribí sobre cosas realmente difíciles, horribles, furiosas o enojadas, siempre hubo algún tipo de sensación de esperanza, o al menos una idea de solución. Pero en los últimos años no he sentido eso. Sentí que las cosas estaban empeorando.

Creo que el optimismo se ha convertido en desesperación, y ahora tal vez eso es lo que estoy buscando. Podemos estar unidos en nuestra desesperación. La música que escucho cuando me siento realmente mal suele ser igualmente miserable, frustrada y deprimida, y eso me hace sentir bien.

Para «Endtime Signals» redoblamos ese esfuerzo. En lugar de ofrecer algo como “las cosas van a estar bien”, no pudimos hacerlo. No lo sentí. No sentí que íbamos a salir de esto. Sentí que todo iba a empeorar en el mundo.

Si voy a estar en el escenario, frente a un micrófono, gritando como un loco, tiene que ser por algo que valga la pena. Tiene que ser algo por lo que esté enojado y frustrado. De lo contrario, no veo el sentido.

Entonces, ¿podrías decir que tus letras son una mezcla entre observación sobre el mundo y reflexiones personales?
Sí, absolutamente. Es desahogar mi frustración y sacar cosas de mi pecho. Es como cuando te quedas despierto a medianoche pensando: ¿qué diablos está pasando?, ¿cómo funcionan estas cosas?, ¿por qué estamos donde estamos ahora?, ¿qué nos pasa?, ¿cómo llegamos aquí?

Son cosas que te preocupan, y bueno, gritar sobre ellas no hace que desaparezcan, pero se siente mejor.

¿Ves la música metal como un tipo de música importante para ayudar a la gente a encontrar descanso en medio del malestar político y social?

Depende. No tiene que significar nada. Puedes escuchar a Dio cantando sobre dragones y se siente increíble. O puede ser una banda de punk política. Depende de lo que necesites. A veces el escapismo es lo mejor: fantasía, metal temático, cosas vikingas. No importa, siempre y cuando dejes de pensar en tus problemas por un tiempo.

Me gusta cuando es algo más serio, algo que puedas entender o con lo que puedas identificarte. Esas son las bandas que tomo realmente en serio. Si estás escribiendo una canción y se siente bien, luego te das cuenta de que tal vez tendrás que cantarla durante 20 años en el escenario. Entonces tiene que ser jodidamente buena.

No sé si es importante, pero tienes que hacerlo importante. Si puede inspirar a alguien, cambiar la opinión de alguien o ayudar a alguien, es fantástico. Eso sucede todo el tiempo cuando hablamos con la gente después de los conciertos. Te das cuenta de que una canción ayudó a alguien en un momento difícil, y ves lo importante que la música es para los demás, tanto como lo es para mí.

Es interesante que a veces la música te transmite un mensaje sin que entiendas la letra. Aquí en América Latina, donde no hablábamos inglés como lengua materna, lo común es descubrir tu música solo por el sonido, sin saber lo que dices, y luego aprendemos inglés y descubrimos el mensaje y nos damos cuenta que ya habíamos entendido más o menos lo que querías decir.

Nadie tiene la verdad. Eso se aplica a mucha música. Te gusta, tienes una sensación de lo que está tratando de decir, aunque no lo entiendas completamente. Lo importante es la reacción emocional. Si crees que una canción significa algo para ti, esa es tu verdad. Me encanta eso, porque las canciones pueden contener múltiples significados y puedes interpretarlas como quieras. Si obtienes algo de ellas, es fantástico.

A veces siento que el espíritu de ira de esa música heavy que conocimos hace 40 años está desapareciendo del mainstream del heavy metal. Entonces, quiero preguntarte: ¿cómo ves a las nuevas generaciones de bandas en este aspecto del mensaje?

Es muy interesante, porque es fácil ser un viejo. He estado escuchando metal durante casi 40 años. Hoy, por ejemplo, estaba escuchando todos los nuevos álbumes que salieron y pensé: “Hay tanta basura”. Hay muchas cosas que parecen música superficial, que realmente no significan nada. Es solo una especie de ira a nivel superficial.

Pero siempre ha sido así, no ha cambiado mucho. Aunque tal vez sea más importante que nunca hablar sobre cosas reales, ser honesto contigo mismo y con la forma en que interpretas lo que está pasando en el mundo o cómo nos tratamos unos a otros, también es importante ser una distracción, llevar tu atención lejos de tu realidad por un momento.

En cuanto a las nuevas bandas, ahora es diferente. Antes tenías que demostrar que eras un gran músico, porque no podías arreglar las cosas en el estudio como ahora. Hoy todos pueden sonar como la mejor banda del mundo. Y todos están compitiendo por atención.

Con el cambio de medios físicos a digitales, la música ya no tiene el mismo valor. Básicamente es algo que obtienes gratis. A veces escucho un par de canciones y pienso: “Suena genial”. Pero cuando tenía 20 años y compraba discos, incluso si no eran tan buenos, los escuchaba hasta que me gustaran, porque había gastado dinero en ellos. Mi colección era sagrada.

Ahora todo está disponible de inmediato. Aun así, hay bandas fantásticas haciendo un gran trabajo, y otras que solo intentan romper el ruido de tantas bandas lanzando material todo el tiempo. Es un arma de doble filo.

No sé hacia dónde va esto, pero siempre habrá suficiente música fantástica para ignorar el ruido y concentrarte en las bandas que hacen música sólida. Creo que siempre habrá espacio para quienes tratan al álbum como un álbum, con 12 canciones reales, publicados en vinilo, al estilo antiguo, porque eso es lo que yo prefiero.

A medida que envejecemos, tenemos miedo de que la música tal vez que amamos, algún día, vaya a morir. De hecho, quiero preguntarte acerca de eso. Es decir, las muertes son algo que nos recuerdan que nos estamos haciendo viejos. Perdimos recientemente a Tomas Lindberg, de AT THE GATES. Así que quiero preguntarte: ¿cómo te sientes al respecto? ¿Y qué recuerdas de él, como pionero del género? ¿Cómo te sientes acerca del legado o la importancia de ese legado en esta era en la que los viejos estamos muriendo?

Bueno… la importancia de Tomas dentro de la escena del metal en Gotemburgo y Suecia en general no puede ser exagerada. Fue, sin ninguna duda, el personaje más importante en nuestra ciudad y en nuestros corazones, ahí afuera donde crecimos. Fue mi vecino más cercano, crecimos juntos. Él me enseñó todo sobre la música y me enseñó la escena underground, el trading de cintas y todas esas cosas.

Yo lo conocí cuando fui con un amigo a verlo ensayar con la banda GROTESQUE, la banda de black metal que tenía antes de AT THE GATES. Y fue la cosa más loca que había visto en mi vida. Nos hicimos amigos ahí y fuimos amigos desde entonces. Así que él fue realmente una inspiración para mí, simplemente por su vasto conocimiento y su pasión por la escena underground.

Él lo sabía todo. Era uno de esos tipos que simplemente absorbían información y sabían todo sobre cada maldito álbum que acababa de ser lanzado. Estaba en contacto con todos los músicos de todas las bandas que yo amaba, y nos conectaba a nosotros con todos. Y sí, fue increíble, súper amable.

Ha sido increíblemente difícil saber que estuvo realmente enfermo. Teníamos tantos planes, había tantas cosas que hablamos que íbamos a hacer, los shows a los que queríamos ir, los festivales a los que viajaríamos, y otras cosas. Y ahora que se fue, me siento un poco raro porque yo no habría empezado a… no sería cantante si no fuera por él.

No existiría DARK TRANQUILLITY. No habría IN FLAMES sin él. No habría nada sin él. Entonces es como si todos le debiéramos todo, básicamente.

Él era como el centro conector para muchos. Así conocí a muchos de mis amigos. Lo fue para mí porque él era como el centro que nos mantenía a todos juntos.

Realmente lamento tu pérdida. Para nosotros, los fans, fue muy impactante. Así que no puedo imaginar cómo es para sus amigos, para las personas que crecieron con él. Así que lo siento.

Hablemos de algo más feliz. Quiero preguntarte sobre tu álbum más reciente. Siento que “Endtime Signals” es más pesado que “Moments”. ¿Qué los inspiró a volver a esos elementos más rápidos?

En parte fue el cambio en la alineación. Cuando Anders estaba en la banda, él era el compositor principal. Ahora Johan y Martin escribieron este álbum. Y también tenemos a Joakim en la batería, que tiene un talento increíble y quiere tocar rápido.

Él nos dijo: “Podemos hacer cualquier cosa, usemos eso a nuestro favor”. Así resaltamos la fuerza de cada músico. Decidimos hacer canciones realmente pesadas y rápidas. Queríamos que fuera relevante para nosotros, que reflejara dónde estamos ahora y hacia dónde vamos. Fue divertido experimentar, enviarle demos a Joakim y ver que podía tocar todo. Eso nos inspiró a escribir cosas más rápidas.

Volverás a Sudamérica en 2026 para presentar ese álbum. ¿Cómo están preparando el setlist?
Empezaremos a girar en dos días aquí en Alemania. Nos centraremos en “The Gallery” y “Character”. “The Gallery” cumple 30 años y “Character” cumple 20. El show tendrá tres partes: una de “The Gallery”, una de “Character” y una de material antiguo.

No sé si será exactamente el mismo show en Sudamérica, pero al menos será similar. Algunas cosas pueden cambiar. La última vez que estuvimos allí, solo teníamos cuatro canciones del álbum publicadas y no tocamos todas. Ahora podemos tocar más material nuevo, además de “The Gallery” y “Character”.

Estuviste recientemente en Sudamérica con CEMETERY SKYLINE. ¿Cómo manejas tantos proyectos diferentes?
No es fácil, pero tampoco es tan difícil. Hay mucho trabajo, viajes y organización, pero musicalmente es muy diferente. Todos son viejos amigos, así que es súper divertido.

Nos contrataron para un concierto en Norteamérica y decidimos hacer más shows. Fuimos a México, Chile, Argentina y Brasil. Fue increíble. Al principio no planeábamos ser una banda en vivo, pero después del primer show pensamos que era divertido.

Es difícil para los fans ver a este tipo de súper bandas por los conflictos de horarios.
Sí, es verdad. Todos estamos muy ocupados, pero me alegra que podamos lograrlo.

Bueno, Mikael, gracias por tu tiempo y por estar aquí.
Gracias a ti. Fue un placer.

Ha sido un verdadero placer tenerte. Te esperamos aquí en Argentina.
Fantástico. Nos vemos pronto.

Mucha suerte en tu próxima gira por Europa.
Gracias, amigo.

Frank Hernández

Director en Rocktambulos

Escucho más de lo que veo y escribo más de lo que leo.
Periodista musical. Radio Host. Escribí en Billboard, Rockaxis y más. Fundador de Rocktambulos